Se você me disser que F1: O Filme é “mais um filme de corrida”, eu vou te dizer que você não está olhando para o que ele está tentando fazer de verdade.
O filme nasce com uma ambição muito específica: não é simplesmente contar uma história com carros rápidos; é te colocar dentro da pista, fazer você sentir a vibração do motor, a violência do vento, o caos de uma decisão em milésimos de segundo. E isso não é papo de marketing, é o tipo de intenção que, quando dá certo, vira exatamente o tipo de coisa que a Academia costuma reconhecer: não porque “ama a Fórmula 1”, mas porque certos filmes conseguem transformar técnica em narrativa, e narrativa em experiência.
No Oscar 2026, ele entra oficialmente na categoria mais “macro”, Melhor Filme, e também nas áreas em que um filme assim precisa ser impecável para não cair no ridículo: Montagem, Som e Efeitos Visuais. Essas indicações ajudam a entender o tamanho do pacote: não é só “um sucesso”, é um sucesso que foi reconhecido como cinema de alto nível em acabamento.
Por que o Oscar olhou pra “F1” (e não só pro barulho)
Aqui tem um ponto importante: quando um blockbuster “vira de prêmio”, quase nunca é porque o roteiro inventou a roda. É porque ele faz o básico com uma precisão absurda e, principalmente, porque ele cria um tipo de imersão que não dá para ignorar.
E aí entra o nome que, pra mim, explica metade do fenômeno: Joseph Kosinski. Ele já tinha provado com Top Gun: Maverick que sabe dirigir espetáculo de um jeito que parece físico, você não só vê, você sente. Em F1: O Filme, a lógica é parecida: câmera e som não são só ferramentas, são a linguagem. O filme quer que a corrida seja uma experiência sensorial, quase tátil, e isso conversa diretamente com as indicações técnicas que ele recebeu.
Agora, o detalhe que deixa tudo mais interessante é que a proposta não é “filmar corrida como videogame”, com imagens polidas demais e irreais. A obsessão aqui é parecer plausível. A sensação é de que o filme tenta caminhar na beirada da linha: ele precisa ser cinematográfico, mas sem perder o cheiro de pista. É aí que o projeto ganha cara de “evento” e, ao mesmo tempo, ganha o tipo de respeito que puxa um filme para dentro da conversa do Oscar.
A história por trás do espetáculo: o “retorno” como desculpa, não como fim
O arco dramático é aquele que a gente conhece bem e não tem problema nenhum nisso quando a direção sabe o que está fazendo. F1 constrói a figura do veterano que volta para um ambiente mais cruel e mais científico do que ele lembrava. Só que o filme usa esse retorno como motor emocional para falar de outra coisa: o que acontece quando você tenta provar que ainda pertence a um mundo que já seguiu sem você?
A Fórmula 1, do jeito que o filme enxerga, é um universo que mastiga ego. Não basta ser bom; você tem que performar sob pressão, lidar com política interna, com patrocinador, com narrativa pública. Você vira “marca”, você vira “história”, e o filme brinca com isso o tempo todo: quem é o herói do time? Quem carrega a culpa quando dá errado? Quem fica bonito na foto?
E aí tem uma tensão que funciona muito bem: a relação entre o veterano e o jovem talento. Esse tipo de dinâmica é clássica porque é humana demais, tem admiração e raiva, tem aprendizado e disputa de território, tem a sensação de que o outro é ameaça mesmo quando, no fundo, é o que te completa.
O elenco funciona porque o filme precisa de gente com presença, não só “nome”
Brad Pitt carrega o arquétipo do cara que não quer ser lenda de museum. Javier Bardem dá aquela energia de “chefe que precisa do milagre”, alguém que está tentando segurar um castelo com as mãos. E Damson Idris entra como o tipo de rival/aliado que tem fome de protagonismo e não vai pedir licença para ser grande. Isso cria uma triangulação ótima: um quer provar que ainda é necessário, outro precisa que a equipe sobreviva, e o terceiro quer ser o futuro.
O filme só funciona se essa química existir, porque o espectador pode até vir pelas corridas, mas é a dinâmica humana que faz você ficar quando a adrenalina baixa.
O bastidor que vira argumento: autenticidade (e o preço disso)
Parte do fascínio de F1: O Filme é como ele se vende como “autêntico”. E aí entra a discussão que eu acho mais gostosa para matéria, porque dá para fugir do óbvio: autenticidade é uma faca de dois gumes.
Quando você filma dentro do ecossistema real, você ganha acesso, textura, ambiente, detalhes que nenhum set inventa. Você ganha aquilo que o público sente sem saber explicar: “isso aqui parece de verdade”. Só que, ao mesmo tempo, quando você depende desse acesso, existe um medo inevitável: até onde o filme pode criticar ou mostrar o lado feio?
É esse equilíbrio que faz parte do debate em torno do filme: ele é um espetáculo técnico absurdo, mas o quanto ele consegue ser “cinema” e não “produto licenciado”? Essa conversa aparece justamente porque o filme é bom o suficiente para as pessoas levarem ele a sério.
Oscar 2026: onde “F1” tem chance real
O que dá para dizer com segurança olhando o perfil do filme e as categorias é: onde ele entra mais forte é onde ele é mais incontestável.
Melhor Filme é sempre uma corrida com muitos fatores, campanha, narrativa do ano, peso temático, emoção, consenso. Já Montagem, Som e Efeitos Visuais são categorias em que um filme como F1 consegue ser “óbvio” no bom sentido: ele depende disso para existir. Se o filme te prende na cadeira, é porque a engenharia do cinema está funcionando.
E é exatamente por isso que a presença nessas categorias faz sentido: a Academia não está premiando “corrida”. Está reconhecendo um trabalho de cinema que é difícil de fazer bem.
Onde assistir “F1: O Filme” no Brasil (status em 10/02/2026)
Disponibilidade verificada em 10/02/2026 (essas ofertas podem mudar rápido, então vale registrar a data).
✅ Streaming (assinatura)
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